Ringvorlesung Dis-Positionen

Mittwoch, 7. Oktober 2026 · 17:30–19:00 Uhr · Eröffnungsvortrag
Paul Feigelfeld
Pragmatische Praxis: Die Wissenschaft von Open Arts

Disziplinen wirken selbstverständlich, sind aber junge und umkämpfte historische Erfindungen. Das Wort disciplina meint Lehre, aber auch Zucht. Wer von Disziplinen spricht, spricht deshalb immer auch davon, wie Wissen geordnet, eingeübt und abgegrenzt wird. Der Eröffnungsvortrag verfolgt, wie solche Ordnungen entstehen, ineinanderfließen und auseinanderbrechen. Er führt von chinesischer und islamischer Gelehrsamkeit über das Quadrivium, in dem Musik neben Geometrie, Arithmetik und Astronomie stand, zu den Schwellenmomenten der frühen Neuzeit. Damals waren Magie und Wissenschaft noch kaum voneinander zu trennen: Aus der Alchemie wird Chemie, aus Kabbala und Zahlenmystik systematische Mathematik, und Newton gilt nicht zufällig als „letzter Magier“. Mit den symbolischen Revolutionen, dem Labor und dem Experiment entstehen neue Orte und Verfahren, an denen Wissen hergestellt, wiederholt und beglaubigt wird. Schließlich brechen die barocken Träume einer Universalwissenschaft in die Ausdifferenzierung der Fächer in der Aufklärung auseinander. Im 20. Jahrhundert geraten diese Ordnungen erneut ins Wanken, durch die Grundlagenkrise der Mathematik, durch Relativitätstheorie und Quantenphysik, durch Gödel und die Kybernetik. Daraus ergibt sich die Frage, was es heute heißt, sich im Spektrum der Disziplinen zu positionieren, und welche Räume künstlerische Forschung dort öffnet, wo die Grenzen der Fächer durchlässig werden.

Univ. Prof. Dr. Paul Feigelfeld ist Professor für Digitalität und kulturelle Vermittlung an der Universität Mozarteum Salzburg und Teil des Instituts für Open Arts.

Mittwoch, 14. Oktober 2026 · 17:30–19:00 Uhr
Francesco Pizzocchero
Redundant cartographies – wandering beyond the regime of clarity

The session presents two case studies from my ongoing practice-based research project and reflects on the forms that emerge from the practice, examining how bodies, technologies, materials, rhythms, data and norms interact within what I provisionally define as aesthetic device.

Francesco Pizzocchero is a multidisciplinary artist and PhD candidate in the PhD in the Arts programme at the Institute for Open Arts, Mozarteum University Salzburg. He studied visual arts at the Academy of Fine Arts in Venice and has an academic and professional background in law. His practice investigates human–machine relations, embodiment, temporality, measurement, data and normativity through installation, performance, moving image, sound, scanning, and other intermedial processes.

Mittwoch, 21. Oktober 2026 · 17:30–19:00 Uhr
Friedrich Kirschner
Friction – interaktive Gestaltung zwischen Kunst und Design

Design als gestalterische Praxis beansprucht zunehmend Lösungsvorschläge in immer weiter gefassten Bereichen des sozialen und politischen Lebens. Es bedient sich dabei allzu oft einer technologisch gerahmten Erzählung einer Lösbarkeit von Zukunft, die einer humanistischen, unlösbaren Verhandlungspraxis entgegensteht. Künstlerische und strukturelle Haltungen, die Reibung verursachen, sind unumgänglich, um aus dieser Vereinfachung auszubrechen.

Friedrich Kirschner ist Creative Lead des Indie-Game-Studios Three More Years, Medienkünstler und Dozent für Kunst und Game Design. Er war Production Fellow am Eyebeam Center for Art and Technology und leitete 2008 das Machinima Film Festival in New York. 2018 gründete Friedrich das Masterprogramm Spiel und Objekt an der Hochschule für Schauspielkunst Ernst Busch, das er bis 2024 als Professor für digitale Medien leitete.

Mittwoch, 4. November 2026 · 17:30–19:00 Uhr
Jenny Michel

Jenny Michel vereinigt in medialer Vielseitigkeit Objekte, Zeichnungen, Fotografien und Texte zu komplexen Werkreihen, deren differenzierter inhaltlicher Hintergrund auf eine ebenso vielschichtige Materialebene trifft. Den Arbeiten zugrunde liegt dabei ein Prozess des Palimpsestierens von Information. In einem nichtlinearen Übereinanderlagern, Anordnen, Collagieren und Decollagieren von Zeichen und Texten wachsen die Werke zu einer modulartig-labyrinthischen Gesamtstruktur zusammen. Sie spiegeln in ihrer serienartigen Verknüpfung die weit vernetzten, stark analytischen Denkansätze der Künstlerin wider.

Dabei werden Versatzstücke wissenschaftlicher Denk- und Darstellungsweisen, Zeichen- und Ordnungssysteme herangezogen, die die Beziehungen zwischen Wirklichkeit und Wahrnehmung zu strukturieren scheinen. Die einzelnen Teile dieses Informations-Kosmos münden in Zeichenlandschaften, die sich wie Hinterlassenschaften unserer Gesellschaft ausbreiten. Vorgefundenes und Wahrgenommenes wird dabei immer wieder neu kombiniert und informiert.

Mittwoch, 11. November 2026 · 17:30–19:00 Uhr
Artemi-Maria Gioti
Listening like an algorithm

In this talk I will draw on an autoethnographic study of a machine listening system performing a timbre recognition task in the context of an interactive musical work for piano and interactive music system. Taking artistic research as a vantage point on Machine Learning (ML), the talk will ask: What do moments of “breakdown” in the system’s predictions reveal about the epistemological assumptions underpinning ML? And how might machine listening unsettle Western musical categories? I will focus on a speculative error analysis of the system’s predictions in the context of a rehearsal, which will be approached from a dual standpoint: as a probe into the system’s internal logics, and as a nonhuman interpretation of the training data. The analysis will question the epistemic ideal of generalisation in ML, proposing a reframing of the machine listening system as a situated “knower”, and elucidate the cultural constructs, technical imaginaries, and distinct sound ontologies embedded in the classification task performed by the system.

Artemi-Maria Gioti is a composer and artistic researcher conducting critical research at the intersection of music and artificial intelligence (AI). She is Professor of Artistic Research in Music at Mozarteum University Salzburg. Her compositional work focuses on interactive works involving reciprocal, real-time interaction between human performers and computer music systems incorporating machine learning (ML). Through this practice, she explores how technology reconfigures musical practices and ontologies, such as authorship and the musical work. Her research brings autoethnographies of the compositional process into dialogue with theoretical frameworks from critical AI and critical data studies, to investigate questions of data materiality, data semiotics and ML epistemology.

Mittwoch, 18. November 2026 · 17:30–19:00 Uhr
Esther Venrooij
And Another Thing I Heard

We often think of listening as something that happens in the ears. A practical activity. Information enters, meaning follows. But listening is stranger than that. Sound exists outside us, in rooms, streets, stairwells, landscapes and buildings. It reveals distances, surfaces, volumes and hidden architectures. An echo can tell us more about a room than a photograph. A reverberation can quietly undermine what the eye is trying to convince us of. As Esther Venrooij writes, spatial listening is not about listening to sound in space, but listening to space through sound.

Yet sound does not remain outside us. It passes through the body. A low frequency settles somewhere beneath the ribs. A voice can comfort or unsettle before we understand what is being said. A distant sound can pull a forgotten memory to the surface. In affective listening, sound is not simply heard. It moves through us. It leaves traces. Listening becomes a bodily and emotional practice, one that asks how sound shapes us long before we begin to interpret it.

And then there is musical listening. Not listening to music as an object, but listening musically. The peculiar ability to hear patterns, relationships, rhythms and intentions in the world around us. In this mode, a laundromat, a parking garage or an airport can suddenly begin to sound composed. We become temporarily suspicious of coincidence. What if everything were intentional? What if the world were already a composition unfolding around us? Drawing on examples from sound art, architecture, music and everyday experience, Esther Venrooij explores these three interwoven listening modes. The lecture moves from the sounds that surround us, through the sounds that resonate within us, to the sounds that activate imagination itself. Or, put more simply: from the world, through the body, into the imagination.

Esther Venrooij (1974) is a Dutch composer, performer, visual artist, and researcher whose work explores the relationship between sound, space, body, and imagination. Through music, sound art, performance, drawing, and artistic research, she investigates listening as a way of orienting oneself in the world. Her work moves between architecture and acoustics, embodied perception and spatial experience, asking how sound reveals places, moves through bodies, and gives shape to thought. She teaches at LUCA School of Arts and KU Leuven, where she supervises doctoral artistic research in Spatial Experiences. Her recent book, And Another Thing I Heard: Modes, Practices and Exercises of Listening, brings together years of artistic practice, teaching, and research into the many ways we can learn to listen differently.

Mittwoch, 25. November 2026 · 17:30–19:00 Uhr
Donald Kraemer
Crossmediales Erzählen in der Fiktion. Hype – Gelegenheit – Irrtümer

Interdisziplinäres und Crossmediales Erzählen ist in aller Munde. Es bieten sich Chancen für Kreative, Produzent*innen, TV-Sender und Streamer. Wie verändert sich das fiktionale Erzählen in diesem Umfeld und was bedeutet es für die Zielgruppen? Nicht jeder interdisziplinäre/crossmediale Ansatz erscheint sinnvoll und ist realisierbar. Es soll, am Beispiel aktueller Filme und Serien, ein kurzer Überblick über die Entwicklung und den aktuellen Stand bei (deutschen) TV-Sendern und Streamern gegeben werden.

Donald Kraemer, Autor, Regisseur, Produzent und Redakteur (NDR, Film & Serie) / Studium Theater-, Film- und Fernsehwissenschaft an der FU Berlin. Tätig als Drehbuchautor, Regisseur und Produzent für unterschiedlichste Projekte im Bereich Fernsehfilm und Serie, u.a. für ARD, ZDF, WDR, NDR, sowie RTL, Sat1, Pro7. Aktuell verantwortlich als Redakteur beim NDR für Formate wie Tatort, Fernsehfilme und Donnerstagskrimis, wie „Nord bei Nordwest“ und „Der Usedom Krimi“. Darüber hinaus Entwicklung und Realisation von Streaming-Serien wie „Schwarzes Gold“ und „Die Toten von Marnow“, sowie Debütfilme der Nachwuchsreihe Nordlichter.

Mittwoch, 2. Dezember 2026 · 17:30–19:00 Uhr
Rüdiger Wassibauer
The Future Doesn’t Plan

Co-creation from bio-waste to playground of ideas.
Since 2003, Schmiede in the making.
I like to make things happen.

I work in between: between people and disciplines, between art, science and the maker movement, between institutions and experiments. I am a facilitator, translator and enabler. In 2003 I co-founded Schmiede Hallein, the playground of ideas. Every year for ten days, it is a cooperative festival where ideas come to play. Over the years it has grown into a place where people from many fields meet, try things out and build on each other’s work. It received the Austrian Art Award in 2016, and MiniSchmiede, our maker festival for kids built around destruction and badly built robots, was named a Good Practice by Zukunftslabor Salzburg. Since 2008 I also lead subnet, a platform for media art and experimental technologies. Depending on the year I Annually since 2018, I write and publish the Yslandbooks, Akademie Hallein, a co-creation book. My tools are untapped resources, recontextualization and co-creation. I call the result sustainable placemaking: creating contexts that are both entertaining and fruitful, where enthusiasts find each other and get the support they need. Beyond festivals, I enable micro grants and artist-in-residence programs in the Salzburg countryside, and I take part in European networks such as Feral Labs and Rewilding Cultures (Creative Europe). I was a member of the Advisory Board for Cultural Initiatives at the Federal Chancellery and of the Cultural Advisory Council of the Province of Salzburg.

Mittwoch, 9. Dezember 2026 · 17:30–19:00 Uhr
Karen Werner
Transmissive Poetics: Introducing radioa

A live mini-FM and online transmission on radioa (https://www.radioa.org), the Institute for Open Arts’ new radio station, about radio art, transmitting from Franz Josef Straße 18. This is in advance of a radio workshop for IOA MA students that will take place on 11 December 2026.

Karen Werner is an artist and sociologist working with radio, story, voice, and performance. Often working collaboratively, she creates experimental radio stations as artistic forms as well as live performances and works for radio. Recent works include SkottegatenFM, a three-month neighbourhood radio station based in her dining room; Radio Multe, a city-wide AM, FM, and online station in Bergen, Norway, and Night Air, a 60-night live transmission of lullaby singers sending on FM and shortwave from Bergen Kunsthall. Karen will have a solo exhibition at Salzburger Kunstverein in 2028. She is University Professor of Artistic Research in the PhD in the Arts Program at Mozarteum University and, with colleagues Thomas Ballhausen and Paola Boscaini, has launched the experimental university radio station, radioa.

Mittwoch, 16. Dezember 2026 · 17:30–19:00 Uhr
Matylda Krzykowski
Things Don’t Stay in Their Place

What happens when exhibitions become spaces, objects become arguments, and institutions become sites for experimentation? Matylda Krzykowski directs, designs, writes, and talks about objects within space and ideas beyond it. Her transdisciplinary, global practice moves between art, design, architecture, curating, scenography, format development, and artistic research, continuously testing how ideas take shape and what they can become.

Her work takes many forms. Exhibitions such as Institution Building at CIVA Brussels, The Energy Show at Het Nieuwe Instituut Rotterdam, and The Stand Ins at Conceptual Biennale Berlin sit alongside the installation I Don’t Want Space, I Want to Fill It at Marsèll Paradise Milan and the format Desktop Exhibition. She also creates domestic objects in stoneware and develops exhibitions such as Index Finger. For the past four years, she has been working on the transformation of an 800-year-old house. She also provides artistic leadership for cultural spaces, currently CIVIC at Basel Academy of Art and Design. Across these shifting contexts, Krzykowski challenges disciplines, objects, and institutions, exploring how spaces and formats can open up other ways of thinking, making, and working together. She is currently finalising her first book, HOW TO CIVIC? What Transforming Institutions Can Do for Us?, to be published by Hatje Cantz in spring 2027.

Mittwoch, 13. Januar 2027 · 17:30–19:00 Uhr
Gregor Neuerer

Anhand eines Konvoluts gesammelter Pressetexte, Einladungskarten, Zeitungsartikeln, Leaflets und Notizen rekontextualiere ich in dem Vortrag meine Erfahrungen unterschiedlicher Szenen zeitgenössischer Kunst gegen Ende der Neunziger Jahre, denen ich in London begegnet bin. Ich empfand diese Zeit nach dem YBA-Hype, in der das Bild junger, radikaler und aufstrebender Künstler*innenpersönlichkeiten in einer kaum dagewesenen Form medial stilisiert wurde als sehr prägend. Neben Begriffen wie Charles Saatchi, Jay Jopling, Sarah Lucas oder artist-run-spaces wie City Racing entstanden parallele, heterogene Szenen, die sich kritisch ihrer medialen Zuordnung entzogen und danach strebten, nach neuen Maßstäben künstlerischer Lebensmodelle zu finden. Wie wirken diese Erfahrungen heute für mich nach, wie transformierten sie sich seither, und welches Bild des künstlerischen Arbeitens bildete sich für mich unter diesen Voraussetzungen. Wie empfinde ich in aktuellen Szenen ein Wiederauftauchen ähnlicher Muster, und wie sehr behaupten sich in einer Kultur strategischen Denkens einzelne Begegnungen mit Arbeiten, Ausstellungen und Künstler*innen?

Gregor Neuerer ist bildender Künstler und leitet die Klasse für Fotografie und Neue Medien am Department für Kunst und Gestaltung an der Universität Mozarteum Salzburg.

Mittwoch, 20. Januar 2027 · 17:30–19:00 Uhr
Diogo Marques
Touching the Text: An Introduction to Electronic Literature and Haptic Interfaces

What happens when literature becomes something we can touch, i.e., manipulate, navigate, or physically inhabit? This seminar offers an introduction to electronic literature through works that explore the material and embodied dimensions of digital wreading. Moving from key concepts and examples in the field to haptic interfaces in particular, we will examine how touch, gesture, and bodily interaction participate in literary meaning. The discussion will draw on case studies from my recent book, Haptic Interfaces in Electronic Literature: The Digital Midas Touch (Brill, 2026).

Diogo Marques is a researcher at the University of Porto, where he is affiliated with CODA – Centre for Digital Culture and Innovation and ILCML – Institute for Comparative Literature. His research focuses on electronic literature, experimental writing, haptic interfaces, and the relations between bodies and technologies. He is the author of Haptic Interfaces in Electronic Literature: The Digital Midas Touch (Brill, 2026). He is also a writer, curator, and co-founder of the collective wr3ad1ng d1g1t5 (wreading-digits.com).

Mittwoch, 27. Januar 2027 · 17:30–19:00 Uhr
Semesterabschlussausstellung
Gast: Judith Radlegger