Wie begann Ihr Weg als Künstlerin und Kunstpädagogin? Gibt es eine persönliche Geschichte dahinter?
Mit einer sehr frühen und großen Liebe zu Bildern und zur Malerei, die von meinen Eltern sehr unterstützt wurde. Als Schülerin besuchte ich die Sommerakademie bei Oswald Oberhuber und war vollkommen inspiriert von dieser neuen Welt, in die ich hineinschnuppern durfte. Im Jahr darauf war ich in der Sommerakademie-Klasse von Alison Knowles (Mitbegründerin der Fluxus-Bewegung) und war sehr motiviert, Kunst anders zu denken. Die Freude war umso größer, als ich die Aufnahmeprüfung am Mozarteum 1990 geschafft habe und das Studium bei Rudi Arnold beginnen durfte. Wir hatten in unserer Arbeit sehr viel Freiheit, was schön war, und gleichzeitig war Arnold sehr kritisch hinsichtlich unserer studentischen Arbeiten. Es war nicht üblich, Arbeiten als Studierende in der Öffentlichkeit zu zeigen, ganz anders als heute. Trotzdem fanden wir Studierende als Künstler*innen-Gruppe zusammen. Mit Regina Steidl und Erik Hable bildeten wir Mitte der 1990er-Jahre die „The Video Sisters“. Mithilfe einer ausgedienten Überwachungskamera des Mozarteums zeigten wir die erste Videoinstallation in der Galerie Das Zimmer und luden den Namensverwanden Dr. Grienberger, einen Kinderarzt in Salzburg, ein (als ironische Anspielung auf den berühmten amerikanischen Kunstkritiker und Theoretiker Clemens Greeberg) die Eröffnung mit einer von uns geschriebenen Rede zu halten. Das war sehr lustig, denn unsere Professoren waren irritiert und wollten wissen: Wer ist denn dieser Redner? (lacht).
Wir waren als Künstler*innengruppe unter anderem in Chicago 1998 und 2004 in Pilastro di Bonavigo (Italien) tätig und erhielten zahlreiche Auszeichnungen, darunter Förderungen und Projektstipendien, der Länder Salzburg und Oberösterreich sowie der Stadt Salzburg. Wir hatten auch ein Förderatelier des Salzburger Kunstvereins.
Welche Formen von Kunst und Kunstvermittlung interessieren Sie im Augenblick besonders und wie definieren Sie dabei den Begriff Kunstwerk?
Im Augenblick interessieren mich partizipative Kunstprojekte und die Auflösung des statischen Begriffs „Kunstwerk“ oder „die hehre Kunst“. Wichtig ist mir das gemeinsame Tun und die Sichtweise, dass dieser Prozess an sich als Kunst gesehen wird.
Sie engagieren sich auch für gemeinsame „Stammtische“ im ländlichen Raum. Beispielhaft war ein Schnitzworkshop, richtig?
Ja genau, ich habe seit zwei Jahren in Lochen einen Stammtisch für Alle initiiert, wo man unkompliziert in Austausch und ins Gespräch kommen kann. Es ist wichtig, öffentliche Orte neu zu denken und einen niederschwelligen Zugang zur Kultur für alle Menschen zu schaffen.
Wenn Sie beide Berufe, Künstlerin und Kunstpädagogin, auf einen gemeinsamen Nenner reduzieren müssten, was möchten Sie Menschen durch Kunst ermöglichen?
Selbstermächtigung und das Selbstvertrauen, den eigenen Weg zu finden. Die Lust zu wecken, selbst künstlerisch tätig zu werden. Ich möchte Schüler*innen darin bestärken, sich alles zuzutrauen und ihnen das Gefühl geben, dass ihr Werk völlig in Ordnung ist, so wie es ist. Es muss nicht immer das perfekte Werkstück am Ende eines Prozesses stehen. Wenn man häufig in Galerien unterwegs ist, und das ist mir sehr wichtig, sieht man rasch, dass es nicht das eine großartige Werk oder die eine tolle Technik gibt, sondern eine große Bandbreite. Es gibt kein gut oder böse, richtig oder falsch. Das wäre völlig verkürzt. Wichtig ist das Dranbleiben und das Tun.
Wie kann man junge Menschen dazu bringen, Kunst nicht nur zu betrachten, sondern selbst eine Haltung zu entwickeln und Fragen zu stellen?
Indem man die Lust am Ausprobieren, am kreativen Prozess weckt und fördert und Hemmschwellen reduziert. Ich besuche mit meiner Klasse regelmäßig Ausstellungen und möchte meinen Schüler*innen möglichst viele Erfahrungen mit verschiedenen Materialien ermöglichen und finde Gruppenarbeiten extrem wichtig, unabhängig vom Leistungszwang. Wichtiger sind gemeinsame Ideen und deren Umsetzung, die Möglichkeiten eröffnen, um auch andere Wege zu gehen und Problemlösungskompetenzen fördern. Der Umgang mit verschiedenen Ideen ist das „Um und Auf“.
Was kann Kunstpädagogik leisten, was andere Formen der Bildung vielleicht nicht so gut leisten können?
Das bewusst langsame Schauen und Beobachten, das Üben der Sinnlichkeit etwa durch das Anrühren von Farben, das Ausprobieren mit den Händen, das Spüren und Sehen, wie Farbe trocknet, wie sich Lasuren verändern, … der Blick für Details. Der Mensch kann nur ganzheitlich lernen und Erfahrungen sammeln. Wir benötigen alle Sinne, um zu lernen. In künstlerischen Fächern wird das Ganzheitliche besonders gefördert.
Sie arbeiten sowohl als Einzelkünstlerin als auch im Kollektiv. Mit dem 2009 gegründeten Künstler*innenkollektiv „Alpine Gothic“ gemeinsam mit Erik Hable und Wolfgang Wirth. In dieser Arbeit beschäftigen Sie sich häufig mit Phänomenen und Ritualen des ländlichen, vorwiegend alpinen Raums. Was ist das künstlerisch Spannende an scheinbar alltäglichen Dingen und Ritualen?
Das Künstler*innenkollektiv „The Video Sisters“, das wir noch an der Uni gründeten, war der Beginn des heutigen Künstler*innenkollektivs – „Alpine Gothic“ ist daraus hervorgegangen. Damals war Regina Steidl noch mit dabei. Nach ihrem Ausstieg kam Wolfgang Wirth dazu. Die Zusammenarbeit besteht schon sehr lange und ist sehr befruchtend. Das Spannende in unserer Arbeit ist der Perspektivenwechsel, aber auch der Werkstattcharakter – Sie müssen in unsere Ausstellungen kommen (lacht). Wir kommunizieren nicht klassisch in Bildern und bildende Kunst ist nicht in Sprache zu übersetzen. Wir machen Gedankensprünge und suchen andere Ausdrucksformen. Wir verwerten unterschiedliche Materialien und bringen diese in vielleicht ungewöhnliche Formen und sind dabei sehr neugierig, probieren einfache Handwerkstechniken aus. Unser Zugang ist oft sehr niederschwellig, auch um Menschen gut abholen zu können und sie miteinzubeziehen. Mit dem Perspektivenwechsel wollen wir Dinge des Alltags anders betrachten. Scheinbar Vertrautes kann überraschen und vielleicht neu gesehen werden.
Gibt es eine Frage, der Sie sich in Ihrer Arbeit als Künstlerin immer wieder widmen?
Das sind eindeutig die Serien. Ich betrachte ein Thema immer wieder aus einer anderen Perspektive. Mein aktuelles Thema ist Staub.
Dass man sich gerne mit Staub beschäftigt, werden vermutlich die Wenigsten bestätigen (lacht). Sie arbeiten mit sehr vielen Materialien und Techniken: Malerei, Grafik, Plastik, Fotografie, Video, richtig?
Ja, das war auch das Tolle in unserem Studium. Wir hatten so viele Möglichkeiten. Nur der Computer war verschlossen, es gab nur einen Apple – das kann man sich heute kaum vorstellen.
Was möchten Sie selbst unbedingt noch lernen?
Sehr vieles! Mit Holz arbeiten, schnitzen, mit Keramik zu arbeiten lerne ich gerade und auch Textiltechniken finde ich wunderbar.
Was würden Sie Ihrem jüngeren Ich noch mit auf den Weg geben?
Wir müssen nach wie vor Frauen stärken. Leider bedeuten Kinder für Frauen immer noch berufliche Nachteile – das muss sich ändern. Wichtig ist es, unsere Leidenschaften nicht zu vergessen und immer dranzubleiben, unabhängig davon, was das Leben oder das Schulsystem so mit sich bringen. Sich vor Augen zu halten, was man gerne macht und sich auch die Zeit dazu nehmen. Wichtig ist vor allem, sich von Stereotypen zu verabschieden. Es gab immer wieder ein gewisses Misstrauen gegenüber Künstler*innen, sobald sie an einer Schule unterrichteten. Gerade so, als könnte man als Pädagog*in kein*e Künstler*in sein. Das sind absurde Rollenvorstellungen. Glücklicherweise gibt es heute viele Ausstellungsmöglichkeiten für junge Menschen, das und den Besuch möglichst vieler Ausstellungen sollten wir weiter fördern – ganz im Sinne des Perspektivenwechsels.
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Die bildende Künstlerin, Kunstpädagogin und Mozarteum-Alumna Christina Breitfuß beschäftigt sich in ihrer künstlerischen Tätigkeit mit der konzeptionellen Auseinandersetzung und der Narration von Formen, Bildern, Körpern und Räumen im gesellschaftlichen Kontext. Kennzeichnend für die Künstlerin ist eine serielle Arbeitsweise, die sich in unterschiedlichsten Medien wie Grafik, Malerei, Fotografie, Plastik, Handwerk, Video zeigt. Ihre Arbeiten wurden in Einzel- und Gruppenausstellungen in Salzburg, Wien, Warschau, Bremen, Paris und Chicago gezeigt. Sie ist Teil des Künstler*innenkollektiv Alpine Gothic, das 2009 gegründet wurde und aus den Mitgliedern Christina Breitfuß, Erik Hable und Wolfgang Wirth besteht. Alle drei studierten in den 1990er-Jahren an der Universität Mozarteum Salzburg. Die prozesshafte und oft partizipative Arbeit von Alpine Gothic findet zumeist im ländlichen Kontext und in Zusammenarbeit mit der lokalen Bevölkerung statt. Die ortsspezifischen Projekte untersuchen Phänomene, Rituale, aber auch Alltag und Fertigkeiten des ländlichen Raums mittels Perspektivenwechsel und Kontextverschiebung. Mittelpunkt und Ausgangspunkt ist vorrangig Salzburg und der regionale Alpenraum. In ihren Arbeiten greifen sie handwerkliche und kulturelle Traditionen, Aspekte bäuerlichen Alltags und romantisierende Projektionen gleichermaßen auf. Ihr Ansatz ist partizipativ, ihre Projekte entstehen meist in Zusammenarbeit mit der lokalen Bevölkerung, um dann in den städtischen Raum beziehungsweise den Ausstellungskontext gebracht zu werden. Die gebürtige St. Johanner*in (im Pongau) unterrichtet Technik und Design am Bundesgymnasium Seekirchen und lebt seit mehr als dreißig Jahren mit ihrer Familie in Lochen, wo sich auch ihr Atelier befindet.
